🪆 Пост в честь моего дня рождения: про счастье, дизайн и воздушные шарики!🎈

🎉 К своему 25-ти летию в рамках миланской недели дизайна Superstudio подготовили ретроспективную инсталляцию и большую выставку с более чем 70-ти участниками, объединенную темой «счастливого дизайна» (про эти проекты будут отдельные обзоры). Superdesign Show at Superstudio.

💬 Стены были украшены цитатами известных дизайнеров, из моих любимых, были такие:

☀️ Массимо Виньелли
Жизнь дизайнера — это борьба: борьба с уродством и грустью.

☀️Наото Фукасава
Главная цель — делать людей счастливыми. Но также есть счастье в создании счастья.

☀️Милтон Глейзер
На дизайн есть три реакции: «да», «нет» и «ВАУ!». Стремиться нужно к «ВАУ!».

😎 Но странно, что вообще не упомянули Стефана Загмайстера и его «Счастливый фильм» (2009). Это же вообще прямое попадание в тему выставки! 🍿Посмотрите обязательно, если вдруг не видели, он там пытается стать счастливее с помощью медитаций, психотерапии и медикаментов - как всегда предельно искренне делясь своим личным опытом и превращая свою жизнь в микс из художественного перфоманса и современного дизайна. 🧘‍♂️ В общем-то выставку он потом на тему счастья и дизайна - тоже делал…

🩶 На входе была презентация стартапа 3-х итальянских дизайнеров: вдохновившись надувными пластиковыми подушечками для упаковки хрупких товаров, они придумали надувной табурет - HEFLIES. FLOATING POUF.

🤔 Штука спорная, особенно в плане экологии. Но однозначно вызывающая улыбку и дающая человеку новый интересный опыт.

☁️ Табуреты из плотного серебристого пластика надуваются гелием. Обещают, что первого надувания хватает до 7 месяцев, и далее общий срок службы - до 2-х лет. В случае, с хорошей плотностью материала и хорошим качеством гелия - похоже на правду. Но по опыту с детскими шариками - уже предвижу проблемы с нагреванием на солнце и вообще перепадами температур.

💺 На сайте обещают, что табурет выдерживает ок. 150 кг. (лично, он мне даже 200 сказал).
Но мне посидеть так и не дали, т.к. им за предыдущие дни выставки часть табуретов уже испортили (это, конечно, вызывает вопросы). Зато сам автор на видео гордо продемонстрировал, как надо сидеть на его продукте))

🎈Идея - в экономии пространства на полу и создании праздничной атмосферы для поп-ап мероприятий. Попадают в тренды на инфантильный дизайн и дутый металл.

❓Планируют разработать линейку разных цветов и форм - интересно посмотреть, что у них получится. Как вы считаете, есть у такого проекта будущее или это всё чистое надувательство? ))

#MilanDesignWeek #Chairs #Trends2025 #JustForFun

🪆 В рубрике «советский дизайн» сегодня будет немного пост-советского. По контрасту с Миланским мебельным салоном и АртДомом, я хочу предложить вам поразмышлять о том, какой путь российский мебельный дизайн прошёл с 1995 года. 😅

👩‍🏫 Привожу кураторский текст Ирины Коробьиной из буклета выставки. Многие обозначенные там проблемы - все ещё актуальны, а работы, по-своему интересны, но общий прогресс индустрии на лицо. Как вы считаете? 🤓

P.S. Истории отдельных авторов из подборки я вам ещё обязательно расскажу отдельно.

«Дизайн пост-советской России. Новая волна». Ирина Коробьина.
В основе российской экспозиции на Веронском форуме Abitare il Tempo - коллекция, сформированная Архитектурной галереей в результате проведения выставочной программы «Вещь в интерьере. Новый дизайн мебели 1994-5». В ней прочитываются особенности развития русского арт-дизайна сегодня, которое, как нам кажется, направлено по трем основным руслам.

Одно из них характеризуется тесной связью дизайна с традиционными ремеслами и скульптурой. Это направление представлено рукотворными объектами - стульями Тотана Кузембаева, которые воспринимаются как скульптурные изваяния, напоминающие древние тотемы. Вместе с тем они используются в интерьере в качестве эксклюзивной мебели, не утрачивая своего качества предмета искусства.

Обращение к рукотворности - характерная черта сегодняшнего российского дизайна еще и потому, что в условиях складывающегося рынка отечественная промышленность оказалась не готова к производству эксклюзивной авторской мебели. Невостребованные профессионалы пытаются найти выход, рассчитывая исключительно на собственные силы. Либо они, как Т.Кузембаев, ориентируются на создание уникальных авторских вещей, не подлежащих тиражированию, либо проектируют свои вещи на конструктивной основе, не требующей применения высоких технологий. Это позволяет тиражировать их не только на производстве, но и старым кустарным способом «вручную». При этом достигается впечатление полной уникальности и неповторимости объекта.

Это направление, как бы промежуточное между ориентацией на hand-made с одной стороны, и промышленное производство - с другой, представлено мебелью Игоря Пищукевича. По своей пластике и образной выразительности его столы и стулья, напоминающие готические башни и покрытые патиной времени руины, скорее можно причислить к абстрактной скульптуре, инсталляции, иногда декорации. Тем не менее, они достаточно технологичны и в принципе могут производиться промышленным способом с последующей «ручной» доводкой.

Творческий метод Пищукевича, посторенный на поисках идеального принципа формообразования, также отражает достаточно характерную тенденцию. Он предпочитает работать с целым интерьером, трактуя его как тотальную пространственную инсталляцию, в которой мебель является органичной частью архитектуры. Российская экспозиция на Abitare il Tempo - пример такого универсального архитектурно-дизайнерского подхода.

Наконец, «индустриальное» направление представлено работами Владимира Бондаренко, имеющего опыт сотрудничества с западными фирмами, реализующими его артистичные мебельные проекты, а также собственную производственную структуру. Тот редкий случай, когда дизайнер, вещи которого пользуются реальным спросом, нашел выход в самостоятельном налаживании производственной мастерской, позволяющей оперативно и качественно их изготавливать. Его дорогая и концептуально «красивая» мебель отличается западным качеством исполнения и российской любовью к метафорической выразительности формы, к цвету и текстуре дерева. Артистизм и художественность этих абсолютно технологичных вещей, спроектированных с учётом особенностей станков и материалов, позволяет причислить их к произведениям арт-дизайна. Постмодернисткая полистилистика, получившая в России наибольшее развитие, в работах Бондаренко лишена иронии и отмечена бесспорным вкусом.

(Окончание текста в комментариях…)

#SovietDesign #RussianDesign #exhibitions #DesignHistory #Archive #Furniture #Collectable

🪆 Ещё немного отвлечемся от Милана (тк на этих выходных я в Лондоне). Перед самым закрытием успела попасть на очень интересную выставку бразильской модернистской живописи (и немного скульптуры и фотографии) ‘Brasil! Brasil! The Birth of Modernism / Бразилия! Бразилия! Рождение модернизма’. Королевская академия искусств, Лондон. 28 января — 21 апреля 2025.

📸 По традиции, сделала для вас фотоальбом выставки на Flickr!

🇧🇷 В начале XX века Бразилия, недавно ставшая республикой (1889), стремилась переосмыслить себя через искусство. Отказавшись от колониальных и имперских традиций, художники обратились к культурному разнообразию страны: коренным народам, афро-бразильскому наследию и волнам иммиграции из Европы и Азии.

🌴🛖 Модернистский период , охватывающий 1910–1970-е годы, стал временем экспериментов, где смешались кубизм, экспрессионизм, сюрреализм, абстракционизм и местные фольклорные традиции.

☕️ Поворотным событием стала «Неделя современного искусства» (1922) в Сан-Паулу, организованная кофейным магнатом Паулу Праду. Художники и писатели, такие как Мариу и Освальд де Андраде, бросили вызов академическим нормам, провозгласив идею «культурного каннибализма» — переработки европейских влияний в нечто уникально бразильское.

🖼️ Выставка знакомит с работами 10 художников и художниц, многие из которых хранятся в частных собраниях и не были раньше показаны в Европе. Перечислю здесь только основных, подробно ознакомится со всеми авторами вы можете в моем фотоальбоме с выставки.

Анита Малфатти
Пионерка бразильского модернизма. Её ранние работы, вдохновленные немецким экспрессионизмом, шокировали публику яркими цветами и искаженными формами. Критик Монтейру Лобату называл её картины «гнойниками избыточной культуры», но именно Малфатти сегодня признана «крёстной матерью» движения.

Тарсила ду Амарал
Автор культовой картины «Абапуру» (1928), вдохновившей «Манифест Антропофагии».
В 1924 году брала уроки у Фернана Леже, а также вдохновлялась испанским сюрреализмом.
Её работы — взрыв цвета и упрощенных форм, где сельские пейзажи и мифы индейцев тупи-гуарани становятся символами национальной идентичности.
Малфатти и Тарсила, участницы ‘Grupo dos Cinco’, долго оставались в тени мужчин, но сегодня признаны ключевыми фигурами бразильского авангардного движения.

Ласар Сегалл. Литовско-еврейский иммигрант, чьи картины, как «Банановая плантация» (1927), отражают тяготы рабочих и жителей фавел. Его стиль — смесь экспрессионизма и тропической эстетики.

Джанира да Мота-э-Сильва. Самоучка с корнями народа гуарани. Её наивные, но мощные работы, такие как «Запуск воздушного змея» (1950), изображают повседневную жизнь с яркой геометрией и ритмами афро-бразильских ритуалов.

Рубем Валентим. Афро-бразильский художник, чьи абстракции наполнены символами кандомбле — религии, синтезировавшей африканские и католические традиции.

🙏 Желаю вам приятного просмотра! Пишите, если будут вопросы или вы захотите узнать подробнее про отдельных авторов.

#exhibitions #art #Brasil #Modernism #RA #FlickrPhotoAlbum