Вчера вышел замечательный подскаст от Льва Ганкина про саундтрек Таривердиева к "17 мгновениям весны".
Я слушаю подскасты максимально редко, но этот мне скинули сразу несколько друзей и я закусил наживку. Зашло хорошо. Спорить с Львом не хочется — хочется только соглашаться.
И дополнять.

Опуская все то, о чем говорит Лев — просто послушайте подкаст — я скажу о том, чего я от него не услышал, но о чем думал сам.

Первое: вся музыка в фильме — оригинальная, за авторством самого Таривердиева. Я заметил только одно заимствование — да все заметили, господи боже. Оно очевидное, но настолько гениальное, что представляется единственно возможным вариантом. В сериале есть момент с хроникой действий советской армии на фронте, который идёт под композицию «Эхо войны».

И здесь Микаэл Таривердиев резко стреляет в упор, убивая наповал: в начале «Эха войны» играет реприза из "Священной войны". В 8 нот. "Вста-вай, стра-на ог-ром-на-я...": всего 8 нот, и в голове пулей проносится все, что помнишь. 20 миллионов убитых, блокада Ленинграда, весь запад страны в огне, с парада прямиком на фронт, расстрелы у траншей, геноцид евреев в концлагерях...

8 нот, и все: глаза мокрые.

До сих пор поражаюсь, как гениальная музыка заставляет физически трястись. Здесь, безусловно, больше работает контекст, чем сама музыкальная структура, но это не столь важно. Прямой, экспрессивный текст и распевная, острая мелодия. Взять хотя бы этот восхитительный вокальный волноподобный рывок на строчке «пусть ярость благородная вскипает как волна», который интонационно вплетает лирику в музыку — бесподобно. Вроде бы как простейший приём, но использованный в правильном месте, он собирает все внимание слушателя, заставляя фокусироваться на этом слиянии, больше отдаваться музыке. Это вроде бы даже детям в музыкальных школах рассказывают.
В общем: реприза «Священной войны» в этом треке выполняет роль триггера ПТСР у рядового современника Таривердиева. И название «Эхо войны» прекрасно отражает фрагментарный характер этой композиции. «Эхо» — это разбитое и заново склеенное зеркало, в отражении мозаики осколков которой вырисовывается силуэт тяжелой и трагической картины прошлого.
Сильная музыка.

Второе: да, да, я знаю: связка Саульского и Секито в прошлом посте выглядит как отличный сюжет для РЕН-ТВ, но это были цветочки. То есть ягодки. Цветочки вот: у Flying Lotus на альбоме Cosmogramma (ему недавно 10 лет стукнуло!) есть трек «Zodiac Shit», который начинается тем же струнным паттерном, что Таривердиев использовал в «На цветочной улице».
Цветочки, понимаете?..

Ладно. Может, это мои влажные фантазии на тему признания наследия отечественной музыки на мировой сцене? Может, я слышу такие параллели исключительно потому, что мне хочется их слышать?
Может, может, может...
Может Флайло однажды ответит мне в инстаграме по этому поводу? Молчит с лета.

Йоу.
Да, я знаю — с регулярностью все хуево, ваша правда. Не писал ничего так давно, что уже и возвращаться к этому сложно.
Опуская сантименты — привет всем, я рад, что вы все ещё здесь — перехожу строго к сути.

Через неделю, 28-29 августа буду читать лекции на фестивале Ленинградские мосты. Две жирные, толстые, полуторачасовые лекции. Тема номер раз — восход и расцвет главного дома авангарда в 60/70-х годах, impulse! records, в связке с вечной примой лейбла — Джоном Колтрейном. Будет о том, как лейбл повлиял на музыкальный ландшафт своего поколения и при чем тут Колтрейн, а параллельно расскажу кучу баек про альбомы и постараемся послушать классную музыку.

Вторая лекция, 29 числа, будет более предвзята. Топик — политика в музыке. О чем будет? О том, что музыка — это мощный инструмент выражения болей общества; о том, что социальная повестка — это охуенно мощный контекст эпохи, и опускать его — преступление. О чем эта лекция не: не о Путине.

Обещаю вернуться.

28 августа в 17:00
29 августа в 14:30
Севкабель-порт.
Вход свободный.

Приходите.

​Афишка — @mon_vie

Артистов следует слушать дискографиями даже не из-за того, что катаясь по верхушкам чартов и цепляя лишь выстрелившие синглы, ты потенциально упускаешь из вида отличную музыку и не видишь всей картины. Все так, но есть еще один снобский момент.
По-своему замечательно, если ты — тот идеальный слушатель, который воспринимает новую музыку от знакомых артистов без оглядки на их прошлое творчество. Если ты — сознательно или нет — обходишься без установки вкусовой планки в своём восприятии. До тебя легче дотянуться, если ты не предвзят.
Так вот, ты меня пугаешь и я тебя не понимаю. Более того, музыкант тебя тоже не понимает. Тот же Мингус, когда пришёл в Impulse! Records, на первом же альбоме писал, чтобы люди выбросили его предыдущие работы. Пускай это и было подано с той мыслью, что он собирается записать их так, как они на самом деле должны звучать, это заявление даёт почву для двух выводов. Первый — отказом от предыдущего творчества он уверен, что может лучше, и сам, вместо музыкальных критиков, которых он презирал, задаёт своей публике уровень ожиданий, а себе — планку сложности. Второй вывод проще. Несмотря на то, что дипломатия никогда не была его коньком, и он мог прямо во время гига на полном серьезе затирать своим слушателям, что они безмозглые, ничего не понимающие невежи, в его желании переписать музыку сквозит то, что Чарльза все-таки ебало, как звучат его ранние работы.

Фатализм художника в том, что это вечное соревнование с самим собой. Бой с тенью, если тебе нравятся затертые метафоры. Гласпер в своём интервью (спасибо за классную ссылочку Александру из On the Corner) объясняет метаморфозы звучания второго Black Radio тем, что люди неизбежно будут сравнивать его с первым. Звучит это как упрёк, но на деле — просто факт, и даже не стоит думать о негативных коннотациях.
Если ты плодотворен и можешь выплеснуть из себя больше одного сингла, то тебя будут сравнивать с самим собой. Чем более придирчив слушатель и чем большего шороху ты уже навёл, тем сложнее тебе прыгнуть выше своей головы. На мой взгляд, есть два пути, и оба напрямую зависят от твоей смелости и таланта. Но об этом позже.
Творчество артиста в разрезе дискографии открывает глаза на то, как он растёт и изменяется, как эволюционирует его творчество, как высоко возведена планка ожиданий и как успешно музыкант ее перелетает — или же нет. Если душнить, то мы как будто берём производную от музыки по времени и смотрим на скорость изменения функции. Значения на графике субъективны, да, но когда искусство было объективным? Да, звучит парадоксально, но сама музыкальная индустрия — это парадокс. Об этом еще Боб Тили говорил: читайте залитый жиром абзац.
Тебя будут сравнивать с собой. И это очень интересно. Хорошая дискография — как добротный миф со своим сюжетом.

Про два пути: если совсем в лоб и топорно — правда не знаю, как сделать этот пафос доступнее — нужно делать либо лучше, либо по-другому. Абстрактно «лучше» — этот как «Voodoo» Д’Анжело лучше «Brown Sugar», как «Pieces of a man» Джила Скотта-Херона лучше его дебютника. Абстрактно «по-другому» — это как Condorn Дорна кардинально отличается от матрично-электронного Randorn с его голыми синтами на сэмплерных костях, а тот, в свою очередь, от более грувового OTD; как DAMN Ламара разительно меняет фокус продакшна и лирики после To Pimp a Butterfly; это вся дискография Майлза Дэйвиса— можно сколько угодно перечислять. Дэйвис вообще заявлял, что больше не играет баллады, потому что очень любит их играть. Понимаете радикальность подхода?
Со вторым вариантом проще согласиться, а на первый правильно будет заметить, что это вкусовщина. Ну да, так вся музыка вкусовщина. Но про второй и правда можно рассуждать чуть более непредвзято.

Если провести аналогию в литературе, то можно вспомнить письма Довлатова к Науму Саголовскому. Тут прямое цитирование, лучше Сергея Донатовича я все равно не напишу:
«Я считаю, что каждый прозаик должен надевать какие-то творческие вериги, вводить в свое письмо какой-то дисциплинирующий момент. В поэзии роль таких вериг играет рифма + размер. Это дисциплинирующее начало уберегает поэтов от многословия и пустоты. У прозы таких рамок нет, их, мне кажется, надо вводить искусственно. Что касается меня, то вот уже лет шесть я пишу таким образом, что все слова во фразе начинаются у меня на разные буквы. Даже предлоги не повторяются. (…) Короче, для меня это стало психозом. Вот раскрой мои три-четыре последние книжки и убедись»

Если уж искусственные рамки можно вводить даже в литературе, то куда проще это сделать в музыке. Смени аранжировщика, поменяй/добавь инструментов, музыкантов, разверни настроение текстов — догма «не повторяйся» может быть соблюдена десятками способов, suit yourself.
Способность изменяться и оставаться выше стилей требует смелости, а меняться, оставаясь безошибочно узнаваемым — смелости и таланта.
Дон Черри говорил, что стиль — это смерть креативности, а Юсеф Латиф — что то, что люди зовут «стилем», на самом деле «persona’s persona, if you will, [his] inner expression». Сложно дать однозначно правильный дословный перевод, так что оставлю в оригинале — но мысль, мне кажется, просто великолепная.

А зачем я про это все начал? Это уже третья попытка рассказать про один из своих любимых альбомов, и я решил начать очень издалека — может хоть так наконец получится. Говорить про ту музыку, которая не нравится, значительно проще, чем про ту, которую любишь — рационализировать чувства сложно, и приходиться вот такими полотнами изъясняться.

А про какой альбом речь? Ой, потом.

Умер Богдан Гастин, автор телеграм-каналов «песня 404», popdamage и «Лика Стар»

Пару недель назад Богдан пропал из сети, его каналы перестали обновляться, равно как и любые другие соцсети. «Ну, отпуск, может, взял человек», - подумал я. Однако со временем такой долгий офлайн начал казаться подозрительным. Оказалось, что всё это время Богдан лежал в больнице с пневмонией, которая наложилась на проблемы с иммунитетом, и пребывал в критическом состоянии. Сегодня стало известно, что Богдана не стало, ему было 27 лет.

Для развития поп-направления музыкального Телеграма Богдан сделал очень много. Богдан был превосходным знатоком как русской, так и зарубежной поп-музыки, его каналы «песня 404» и popdamage стали бесконечным кладезем как откопанных в самых дальних уголках антресолей позабытых хитов, так и самых свежих новинок индустрии. Я всегда вдохновлялся тем, как Богдан легко и игриво писал о всём, что он слушает. Не говоря уж о его шутках, над которыми можно было орать по 10 часов к ряду. Немузыкальные шутки он, к слову, постил в своём канале «Лика Стар», о котором многие его подписчики думали, что его действительно ведёт Лика Стар, а Богдан этой легенде порою подыгрывал.

Не то чтоб мы были сильно близки, но не раз сотрудничали по всевозможным музыкальным темам. Богдан был гостем наших подкастов про Леди Гагу и Тейлор Свифт, а в конце прошлого года вместе с ним и @girlishmusic подводили итоги года. Безусловно, мне будет очень не хватать его во всех смыслах, потому что за последние 4 года он стал важной частью некоей поп-коалиции, которая сложилась в Телеграме и за его пределами.

Лучший способ почтить память Богдана – перечитать архив его каналов. И, конечно, послушайте сегодня что-нибудь классное: Гостей из будущего, Леди Гагу, ВИА Гру, Тейлор Свифт – всё это было любимой музыкой Богдана, под которую и нам следует проводить его, станцевав последний раз в память о нём.

​"Ой, потом" должно было выйти спустя неделю, но что-то пошло не так. Прошел месяц. Тишина между нами становится все более и более неловкой, а материала всё нет.
"Что-то не так" — это исчезновение половины источников, которые я использовал для первого варианта статьи, что валялся у меня в черновиках с апреля.

— Where's that rare interview, Lebowski? Where's that fucking interview, shithead?
— it's down there somewhere, let me take another look в этом унитазе прокси-подключений, 404х-ошибок, кэшированных страниц и индекса wayback machine. Короче, спустя месяц у меня 72 страницы в закладках, но то блядское интервью я так и не нашел. Пока что.

В этом хаосе стало сложно разбираться и запоминать, кто и где и на что ссылается. В итоге я разнес где-то четверть всех материалов, что я набрал, на доску. Получилось что-то похожее на офис Нэша из A Beautiful Mind, но зато стало ясно, куда надо копать дальше и где нужен фактчекинг. Заявочка на tour de force.
Замыленным скриншотом я хочу сказать две вещи:
1) Шансы, что в одного я это закончу раньше декабря, крайне малы;
2) Не теряйтесь. Периодически буду кидаться разным контентом. Я хаслю.

​​Последнее интервью Дудя — отличный повод поделиться заплесневелым порталом https://jazzarchive.hamilton.edu/
Тут больше 300 видео-интервью с людьми музыкальной индустрии прошлого века, снятые в 1995 и позже. От Рона Картера и Херби Хенкока до Джоэля Дорна и Джорджа Авакяна — музыканты, продюсеры, владельцы лейблов, журналисты, A&R, джазовые историки (Нэт Хентофф!) — в общем, who’s who in business.

Персонажи — живые. Истории — охуенные. Например, как Клинт Иствуд звонил Дорну, чтобы выторговать право на использование трека Роберты Флэк "The First Time I Ever Saw Your Face" в своем фильме "Play Misty For Me". Дорн, посчитав что это телефонный розыгрыш, сказал "Окей, повиси чуток, у меня там Уинстон Черчилль на другой линии". В итоге сошлись на тысяче долларов — впрочем, Википедия говорит, что на двух тысячах, а сама Роберта — что торговался Иствуд непосредственно с ней. Как мне кажется, окончательное решение принималось в руководстве лейбла, и Дорн, который был продюсером Флэк, тут источник понадежнее. А насчет денег — пруфа про $2000 я не нашел, но особо не заморачивался. В любом случае, это не того порядка сумма для разрешения на право использования. Почему это клевая история? Потому что фильм Иствуда принес Флэк бешеную известность, а сама песня стояла на будильнике у экипажа Apollo 17 — последнего раза, когда человек топтал лунную поверхность. Разве не здорово?

Но! Если, например, ты не считываешь, про какого Маккэна так много говорит Дорн, то вся магия улетучивается. А история за всем этим стоит сумасшедшая: Дорн стал продюсером пианиста Леса Маккэна, когда тот подписался на Atlantic Records. Именно Дорн предложил Лесу и саксофонисту Эдди Харрису (который тоже был подписан на Атлантик) сыграть тот охуевший сет на фестивале в Монтрё в 1969 году, который потом вышел практически без нарезки (порядок треков поменяли) на альбоме The Swiss Movement и продался тиражом больше чем в миллион копий — огромная цифра для джазовой пластинки. К тому же с концертной записью.
Лес и Эдди уже отыграли свои сеты в предыдущие дни фестиваля, но до этого дня друг с другом никогда вместе не играли. Состав на джем собрался такой: трио Леса Маккэна (сам Маккэн, Лерой Винегар и Дональд Дин), Эдди Харрис и трубач Бенни Бэйли, который тоже репертуара Маккэна не знал, и просил его кричать ему, что за аккорды он играет. То есть не было никаких репетиций. Это все подтверждается на самом видео — что Бэйли, что Харрис то и дело смотрят на то, что играет Маккэн, а сам Лес в начале "Compared to what" напевает мелодию и говорит аккорды. Вишенка на торте — Маккэн признавался, что перед выступлением он сладко дунул гашиша и вообще не понимал, где он находится. "Compared to what" была записана Лесом еще в 1966 году на альбоме "Les McCann Plays the Hits", но в полную мощь выстрелила именно в день фестиваля — в 1966 FCC еще штрафовала радиостанции на десятки тысяч долларов за ротацию трека из-за упоминания абортов в тексте. Текст, к слову, Юджина Макдэниелса, но в это болото я точно пока не полезу и рассказывать ничего не буду.
В общем: этот сет в Монтрё изменил судьбы сотни музыкантов, чьи карьеры бы пошли абсолютно другими траекториями, а Монтрё превратился во второй Ньюпорт. Вплоть до 1971 года — до выхода"What's Going on" Марвина Гея — это был самый продаваемый альбом с политическими текстами. С тех пор "Compared to What" каверили, наверное, сотни раз, но в чьем бы исполнении я его не слышал, в голове все равно стоит тот спонтанный джем на фестивале, где музыканты без конца улыбаются, потому что понимают, что на сцене происходит какая-то ебаная магия. Маккэн, который хоть и не самый техничный пианист на планете, выдает такую энергию, что хоть в мошпит прыгай.
Тут еще много что можно красивого наговорить: что гениальный текст Макдэниелса остается актуальным спустя 60 лет после записи, что можно заметить, как Харрис не дал Бэйли взять соло на 3:20, что набросок трека Маккэн услышал по телефону, — но это все мелочи. Самое невероятное, что этот лайв можно посмотреть хоть сейчас на Ютубе.
Вы знаете, что делать.

Послушал "Searching", который посоветовала Сахарьянц, и захотелось пару строчек про него накатать.
Мне понятно, почему он не выстрелил — Рональд местами откровенно не дотягивает вокалом, а все его инструментальные ходы не новы для музыки 80-х и ничего принципиально нового там я не слышу. К тому же, хоть я и не знаю, как альбом звучал на пластинке, но звучание цифровой версии оставляет желать лучшего. Но если закрыть на это глаза, то альбом и правда занятный, если разглядывать его с разных углов.
Ритмика вокальных партий будто бы вдохновлена классикой MPB 70-х годов, а перигелий инструментального сходства —треки "Girl where are you" и "Pandora's box". Но самое интересное то, что весь альбом — это 100% sample material. Резать на сэмплы можно все что угодно. "You need to cry", который упоминает Кристина, — вообще готовый биток, бери да зачитывай под него. Если к той же MPB вернуться, то такая же история, например, с "Me Deixa" João Donato 1973 года. Если в "I'm ready for dancing" поиграться с эквалайзером и перепадами громкости, то с 28й секунды получится что-то похожее на Кайтранаду.
Думаю, что в контексте современной музыки "Searching" сейчас звучит интереснее, чем в 84-м. Просто ждал подходящего момента, чтобы показаться.

Удивительная судьба нидерландского джазового феникса Рональда Лангестрата

В начале 1980-х пианист и вокалист Рональд Лангестрат (Ronald Langestraat) был заметной фигурой на амстердамской джазовой сцене — играл и записывался в группах Cascada и Ritmo Natural, ориентировавшихся на латиноамериканское звучание. В общем, был в некотором смысле без пяти минут нидерландским Леонидом Агутиным. Впрочем, несмотря на то, что проекты, с которыми был связан Лангестрат, публика принимала хорошо, его сольное творчество, в котором находилось место не только джазу, но и соулу, и фанковому груву, и ритмам сальсы, и чему еще только не, не вдохновляло слушателей. Коллеги и вовсе посмеивались над чудаковатой музыкой Рональда. Именно в тот момент Лангестрат написал песню «You Need To Cry» с такими строчками: «People are hurting one another…I’m just a man with nothing else…but music».

Дальше музыкант закрылся от мира и публики и начал писать для себя. В 1984 году он выпустил альбом Searching из семи треков — результат своих затворнических экспериментов. На всех звучащих тут инструментах — электро- и акустических клавишных, органе, ударных, кларнете, саксофоне, синтезаторе Moog — Лангестрат сыграл сам. Вокал тоже, разумеется, его. Над миксом музыкант работал фактически у себя в спальне. Словом, создал bedroom record в самом что ни на есть буквальном смысле этого слова.

И конечно, в 1984-м пластинка оказалась никому не нужна — мало ли странных песенок люди записывают дома? И всё же музыка рвалась из Лангестрата, он не мог не дать ей прозвучать на публике. В 1986-м он прервал свое затворничество и устроился в амстердамский отель «Аполло» ежедневно играть по пять часов в прокуренном баре гостиницы. Владельцы искали пианиста, но не стали возражать, когда Лангестрат объявился в холле с компьютером, секвенсором и модулями — лишь бы играл и играл тихо (soft). Музыкант с удовольствием выполнял это единственное поставленное перед ним условие, поэтому в следующие пять лет на него практически не обращали внимание. В 1991 году он выпустил Apollo — альбом, на котором собраны записанные в разное время живые интерпретации его песен.

Сегодня Лангестрату 80, он живет тихой и ничем не примечательной жизнью, играет что-то дома для себя, в середине ноября должен был выступить в утрехтском Ekko с Тимом Ко в рамках Le Guess Who? On/Off, но сейчас на сайте клуба висит плашка, что концерт отменен — вероятно, в Утрехте и Нидерландах в целом вновь вводят ограничения в связи с пандемией. Тем не менее амстердамский лейбл South of North переиздал Searching в 2019-м, и Apollo в этом году, и пластинки стали настоящими хитами. Лангестрата представляют сейчас как музыкальное открытие и случайно обнаруженное сокровище из 1980-х. Короче, спустя 35 лет эта удивительная, грустнейшая музыка нашла своего слушателя и свое место в культурном поле. Абсолютно заслуженно.

​Shout-out to @memestival.
Из интервью Херби Хэнкока 1995 года

Пока сидел в вагоне-ресторане и ждал свой ужин, собрал для своих дорогих падписичников плейлист. Да, только в спотифае.
Что общего у Electric Ladyland, What’s going on? и Black Radio? Ну, помимо того, что их почти что каждый слышал и в этом плейлисте их нет?
Обложка.

Что внутри:
🔸20 (охуенных) треков на 2,5 часа. Все с портретами.

Старался выбирать не самые очевидные композиции с не самых известных альбомов, и если не считать UMI Says, Early Summer и Mystic Brew, то вроде успешно.
Ну, почти. Волшебная Melissa взята со сборника Кассиано, а не оригинального альбома, но это оправданное мошенничество. Who cares.

если кому-то интересно, суп так и не принесли

​При моем довольно ровном отношении к диско, есть один альбом, который всегда делает мой день немножко лучше. E=MC­² от бати итало-, да, впрочем, всего диско — Джорджо Мородера.

Его даже слушать необязательно, просто зацените обложку. Эти культовые батины усы, которые он так ненавидел. Этот сумасшедший синтезаторный торс. Белый пиджак с поднятым воротником. Мощные волосатые лапищи. От одного вида этого альфы во плоти я получаю мгновенный впрыск серотонина. Можно еще повизжать о том, какая клевая типографика на альбоме, но я подозреваю, что это все вторично и субъективно.
Помимо обложки и исключительно личных ассоциаций к месту и времени, в которые я впервые услышал его, есть целых четыре причины, за которые я люблю этот альбом.

Первая причина — это, конечно же, ты.

Вторая — это не просто альбом, это музыкальная открытка к дню рождения.
Мородер так лихо отмечал столетнюю годовщину рождения Альберта Эйнштейна, что посвятил ему альбом. Без шуток.

Третья — на обложке есть подзаголовок — "first electronic live to digital album". Что это значит? То, что пацаны в студии записывали инструменты сразу в цифру, без пленочных катушек. Типа первыми. Не знаю, доподлинно ли это так, но разбираться не хочется. Ну, в любом случае он не полностью цифророжденный — Мородер накладывал вокальные партии позже, но инструментальная часть шла напрямую. С учетом того, что студия Мородера из-за стен из MOOGов в ней визуально напоминала центр контроля полетов NASA, я понятия не имею, как они там не потерялись в проводах, записывая все партии одновременно. Ютуб помнит промо-видео к этому альбому, где отец напевает партии Baby Blue. Заодно можете полюбоваться студией в шакальном качестве.

Музыкально это не то, чтобы шедевр, и вряд ли бы я часто его слушал , если бы не...
Причина номер четыре: в конце последнего, одновременно и титульного трека, E=MC2, Джорджо через вокодер зачитывает кусок текста, который обычно идет на обороте обложки под строчкой "над альбомом работали". Мородер перечисляет всех, начиная с самого себя, любимого, до "Tea and coffee by Laurie Kanner" — это ассистентка Джорджо, которая приносила в студию напитки.
Каждый раз ловлю волны хорошего настроения от этого проторэпа, который выглядит как по-детски шаловливое озорство. Шутка ли — не музыка в титрах, а титры в музыке. Нигде больше такого баловства не встречал. Если знаете что-нибудь подобное — чирканите мне в личку, пожалуйста.
____________
AM / Spotify

Тот редкий случай, когда очень хочется поделиться треком, но категорически ничего не хочется говорить ни про музыкантов, ни про контекст. Очень жаль, что нельзя просто вынуть комок ощущений из своего тела и дать другому человеку, чтобы он почувствовал то же самое. Приходиться облекать это в жалкие закорючки.

Самая трогающая меня музыка — у которой есть свое настроение, свой маленький мирок, или, как бы ни пошло это звучало, своя душа, что ли. Я правда не ебу, как это красиво в буквы завернуть. Например, "Bitches Brew" Дейвиса. Я к этому альбому приходил как в самом волшебном, так и максимально суицидальном настроении, но оно всегда подстраивалось под настроение альбома. Оно у него есть, и пускай в меня кинет камень первый, кто считает иначе. Описывать музыку абсолютно бесполезно — даже на liner notes к переизданию не стали этого делать и просто сразу написали "Music speaks for itself".
Мое "сучье варево" — это опасные, дикие и страшные джунгли, по которым нельзя дважды пройти одной тропой, где из темноты кустов на тебя направлены горящие зрачки тигров и других чудовищ, где нужно постоянно озираться и быть начеку, а то пизда — пропадешь, съедят, убьют. В общем, чувствуешь себя, как насекомое, что летит на запах венериной мухоловки.
Заходить издалека — это, видимо, какой-то мой дефект. Альбом Дейвиса — это просто пример того, что провалиться в мирок, который создает хорошая музыка, очень просто. Здорово то, что таких мирков много!

Весь альбом красавчика Кассиано "Cuban Soul: 18 kilates" — это щенячий восторг, но один трек выделяется среди прочих без каких-либо раздумий— четвертый, "Onda". Полсекунды глиссандо в начале (это звук, подтверждающий, что телепорт работает), потом эмбиент прибоя и крики чаек, и все — ты на пляже где-то через секунду после того, как последний кусочек солнышка утонул в океане. Все семь с половиной минут — это теплое саудаде латинского соула. Текст, который даже переводить не нужно — я вам просто подскажу: Кассиано просто весь трек поет про волну. "Думай о хорошем, плохого не существует" — Кровосток явно писал не про "Onda", но максимально точно ее описал.
Судя по wrapped 2020, чаще всего за этот год я тусовался на этой вечной вечеринке, которая продолжится без меня, когда я вернусь в вонючий ноябрь без солнца в спб. Музыка — как пожелтевшая фотография того момента, когда ты был счастлив без всяких задних мыслей.

Apple | Spotify

P.S. А еще сэмпл из этого трека Knxwledge использовал в "Link Up" с самого цельного, на мой взгляд, альбома в дискографии Андерсона Паака — "Yes Lawd!". Магия чуть подрастерялась, но вайбы такие же хорошие.

​Где-то в прошлом ноябре я решительно удалил kensshi масла черного тмина из своей библиотеки просто потому, что в какой-то момент от него стало до блевоты тревожно. Тогда стало понятно, что это не альбом — это крестраж. Как в Гарри Поттере.

Четырех недолгих месяцев, которые он провисел в моей библиотеке, было достаточно, чтобы в конце года Apple Music назвал его моим самым часто прослушиваемым альбомом. Правда, я почти всегда пропускал первые три трека: мне нравилось, как от частого переслушивания альбома четвертый трек (Мой брат засыпает на рассвете) превратился в тяжелую пленку недосыпа на глазах. Как когда ты вместо 8 часов поспал 40 минут, но спать больше нельзя и обязательно надо просыпаться — вот такое чувство. С таким открывающим треком альбом кажется гораздо более бесплотным.

Kensshi — колдовство; темный ритуал жертвоприношения. Выжимка ощущений: мой старый сон. Я не часто их запоминаю, но один мне запомнился, наверное, навсегда — там я раз за разом подкрадывался к кому-то сзади и острым ножом разрезал неизвестному персонажу горло. Он хватался за меня, булькал кровью и умирал у меня на руках, и в тот момент сон начинался заново. Самое мерзкое в этом то, что я ничего не контролировал — внутри все кричало от ужаса, но тело по какой-то команде не слушалось, и конце цикла я убивал. И еще раз. И еще раз. И еще раз.
Убитым — ожидаемо — в итоге проснулся я сам. Вот такая криповая ассоциация с первым полноформатником МЧТ. Идеальная музыка, чтобы под нее в одиночестве дома глушить водку — делал, советую: заходит восхитительно.

Другой примечательный момент: как удивительно легко Generique Майлза Дейвиса из саундтрека к "Лифту на эшафот" обретает новое дыхание в музыке МЧТ. Майлз, сам дьявол, всегда толкал свою музыку только вперед, и она до сих пор несется на импульсе, который он ей придал. Есть ощущение, что музыка Майлза в талантливых руках просто открывает новые грани, с чем ее не мешай: будь это нео-соул Гласпера, фьюжн-трибьют от Lettuce, или вязкий хип-хоп от МЧТ. Может, потому что Майлз, как и его музыка, всегда бесстрашно шел навстречу новому? Ладно. Это мысли вслух. Назад к сэмплу: Айдын на SAJH так аккуратно опевает соло Майлза, практически ничего в музыке не меняя, что хочется пошутить, будто Дейвис просто заранее написал Айдыну биток.

Более Kensshi описывать не хочется — псевдоним Айдына, пускай и абстрактно, но максимально точно описывает его музыку. Что не сказал сам МЧТ, то добавили Даня и Даня. Вкину только мнение: масло — лучший современный хип-хоп на русском языке. От тяжелых гипнотических заклинаний вместо текстов до дурманящих битов на джазовых костях.
Слушаю Айдына и верю в шаманство.

Два часа назад МЧТ выложил Harith — 15-минутный EP, и ничего длиннее за прошедшие с выхода kensshi полтора года(!) ещё не было. Айдын с ложечки кормит нас своей мухоморовой музыкой, но не чтобы отравить, а просто чтобы мы не переставали триповать.
EP охуенный. Да, вот такой вот донный музжур. Больше ничего конструктивного сказать не могу. А если бы и мог, то, наверное, не стал бы: чувствами все равно не поделишься.

Меня вырастили женщины,
Которым достался мир после войны
Только поэтому они любят цветы
Мы нихуя не знаем о любви.

Harith
Apple Music | Spotify

Новости из мира живых: мне сегодня стукнуло 27 лет, для хип-хопа не сделано нихуя.
Наступивший две тысячи двадцать первый год, если честно, пока что полная хуита. Для тех, кто так же сильно ждет весну, как и я:

https://open.spotify.com/playlist/3dF55IpPd4wKnSGzNlvjo7?si=Y472YFaUQ1CzReGI7kabmQ

Просто хочется, чтобы кто-то еще знал.

7 мая в раю началась пляжная вечеринка